Silly Goose proceden de Atlanta y practican según ellos rap-rock. Hace 2 años editaron su primer y único álbum, "The streets heard it first", y ahora tenemos recién salido del horno este EP llamado "Bad Behaviour", igual que su primer tema.
Es ese tema el que marca el rumbo musical de la banda, ya que efectivamente practican un rock pesado que podría considerarse hardcore sin ritmos veloces, y con la voz más centrada en rapear que en cantar.
El resto del EP nos deja otros 4 cortes con esa misma base, un poco a lo Beastie Boys con la obvia mejora en la producción, y con una base grupal hardcore y agresiva como en los inicios del trío de Brooklyn.
Esperemos tener noticias nuevas de Silly Goose pronto en forma de gira o conciertos por España, de momento este EP y el mencionado disco de 2022 nos dan rap-rock para rato.
Taking advantage of the announcement of the Napalm Death and Crowbar tour, which includes a date in Barcelona on February 26, 2025, we are going to analyze one of the opening acts for it.
Brat come from New Orleans and, always according to them, practice a musical style called "bimboviolence." It doesn't seem very clear what they are trying to imply with this description, but what we can say about "Social Grace" is that the ten songs included in it are a deep and direct song, always to the point. It's not that grindcore, death metal or power violence predominate, but that all of them form a resource that Brat use interchangeably, whatever the track.
Despite the album's barely 20-minute duration, it cannot be said that we are facing a typical grindcore album, where the songs pass without any pain or glory amidst fiery guitars and bellowing. Here each moment has its reason for being, and together they complete a puzzle with coherence and meaning. The reason for this is, for example, "Human Offense" and "Social Grace", with a lot of groove and rhythm changes, or "Rope Drag", with a very intense riff that makes us think of thrash metal and death. heavier.
However, of course there is also time for the most basic characteristics of grind, which we can hear in songs like the initials "Ego Death" and "Hesitation Wound".
Although we can conclude that the most positive part of the album is the band's little desire to repeat itself, we must also indicate that they need to take their proposal towards fresher and more original terrain, where they put their personality before sounding one way or another. In general, something totally normal for their debut, and one that they will surely polish with tours and subsequent recordings in the future.
Aprovechando el anuncio de la gira de Napalm Death y Crowbar, la cual incluye fecha en Barcelona el próximo 26 de febrero de 2025, vamos a analizar a uno de los teloneros de la misma.
Brat proceden de Nueva Orleans y, siempre según ellos, practican un estilo musical llamado "bimboviolence". No parece muy claro lo que pretenden dar a entender con esta descripción, pero lo que sí podemos decir de "Social Grace" es que los diez temas incluidos en el mismo son un palo profundo y directo, siempre al grano. No es que predomine el grindcore, el death metal o el powerviolence, sino que todos ellos forman un recurso que Brat utilizan de forma indistinta, sea cual sea el corte.
Pese a los escasos 20 minutos de duración del álbum, no se puede decir que estemos ante el típico disco de grindcore, donde las canciones pasan sin pena ni gloria en medio de guitarras encendidas y berreos. Aquí cada momento tiene su razón de ser, y completan entre todos un puzzle con coherencia y sentido. Razón de ello es, por ejemplo, "Human Offense" y "Social Grace", con mucho groove y cambios de ritmo, o "Rope Drag", con un riff muy intenso y que nos lleva a pensar en el thrash metal y el death más pesado.
Sin embargo, por supuesto hay tiempo también para las características más básicas del grind, y que podemos escuchar en temas como las iniciales "Ego Death"y "Hesitation Wound".
Si bien podemos concluir en que la parte más positiva del disco es las pocas ganas de repetirse que tiene la banda, también debemos indicar que les falta llevar su propuesta hacia terrenos más frescos y originales, donde antepongan su personalidad a sonar de una u otra manera en general, algo totalmente habitual para ser su debut, y que seguro pulirán con las giras y posteriores grabaciones en el futuro.
Another novelty this year in terms of national extreme metal is the return of Vrademargk. This band from Terrassa releases its third album in 2021, eight years after its previous "The Black Chamber", and with an increasingly changing musical world, even more so than when that work was released.
"Arrelats" is the new work of these musicians in love with the melodic death of Göteborg and everything that has to do with said style. The first surprise that we find as soon as we start the album is the change to the Catalan language, with which they seem more comfortable than with the English of their previous compositions.
Already into the album, the homonymous "Arrelats" clearly stands out, with an overwhelming beginning that reminds us a lot of bands like At The Gates. Other more changing songs such as "Estigmes Sobre Cendres" or "L'alè Dels Indòmits" show that the group has quite a bit of versatility when it comes to composing. Not in vain, they achieve a sound that, as we say, is very reminiscent of the Swedish melodies of the aforementioned Björler brothers or Dark Tranquillity, but at the same time each track maintains a hallmark, based on the good drum work or on the eminently serious sounds, which give the final result its own meaning.
Finally, it is worth highlighting "Egocidi", a very thrash song where the excellent drum work of the entire album shines above all, as well as the dark riffs of the anguished and intense "Eudaimonia" that remind us so much of Stained Blood. And this "Arrelats" confirms that Vrademargk are carving out a place for themselves among the best of Catalan extreme metal.
Otra de las novedades de este año en cuanto a metal extremo nacional es la vuelta de Vrademargk. Este grupo de Terrassa edita en 2021 su tercer disco, ocho años después de su anterior "The Black Chamber", y con un mundo musical cada vez más cambiante, incluso más que cuando ese trabajo vio la luz.
"Arrelats" es el nuevo trabajo de estos músicos enamorados del death melódico de Göteborg y de todo lo que tenga que ver con dicho estilo. La primera sorpresa que nos encontramos nada más empezar el disco es el cambio al idioma catalán, con el cual se les ve más cómodos que con el inglés de sus anteriores composiciones.
Ya metidos en el álbum, destaca claramente la homónima "Arrelats", con un comienzo arrollador que nos recuerda mucho a bandas como At The Gates. Otros temas más cambiantes como "Estigmes Sobre Cendres" o "L'alè Dels Indòmits" demuestran que el grupo tiene bastante versatilidad a la hora de componer. No en vano, consiguen un sonido que, como decimos, recuerda mucho a las melodías suecas de los ya citados hermanos Björler o de Dark Tranquillity, pero al mismo tiempo cada pista mantiene una seña de identidad, basada en el buen trabajo de batería o en los sonidos eminentemente graves, que dotan de un sentido propio el resultado final.
Cabe destacar por último "Egocidi", un tema muy thrash donde brilla sobre todo el excelente trabajo de batería de todo el disco, así como los riffs oscuros de la angustiosa e intensa "Eudaimonia" que tanto nos recuerdan a Stained Blood. Y es que este "Arrelats" confirma que Vrademargk se están haciendo un hueco por méritos propios entre lo mejor del metal extremo catalán.
It still seems like yesterday when many of us discovered that video of some tennis players playing a match on a very colorful and indoor court. In that match, quite amateurish, it must be said, a singer who looked like a run-down junkie livened up the confrontation by singing about the strange benefits of sports, in that great song called "Sports" that introduced us to Viagra Boys.
Three years after that, and with "Street Worms" already being unanimously among the clear revelations of the last decade, we get the band's second album, "Welfare Jazz". In it, we see that the essence of the Swedes, composed of post-punk, more classic instruments and that important touch of irony, remains unchanged once again.
Since the first LP we know about the Swedes' ability to compose super catchy songs, which never ceases to surprise us when they begin this second one with "Ain't Nice", a song that crushes your bones with its rhythm and that sax. so groundbreaking. Another basic foundation of the band is the bass, which together with the voice of frontman Sebastian Murphy make up the clear skeleton of Viagra Boys' sound. This is demonstrated in "Toad", a song that levitates between the insistent bass and the crooner and torn voices.
Within that very post-punk style of stretching the bass lines ad infinitum, the group likes to vary the way in which they throw this viscous paste, sometimes dark, sometimes luminous, at their listeners. In the case of "Into The Sun" there is a very "Sunday Morning" atmosphere that reminds us so much of The Velvet Underground and that permeates everything with that rock that is no longer rock, soft and left. The sound of the hangover.
Before the easy but well done "Creatures" I prefer songs that, in addition to being more acidic, manage to attract with small red cherries deliberately included between so much black and white. We can find this in the action movie scene rhythm of "6 Shooter", or in that theme about planning a bank robbery that is "I Feel Alive", with that diabolical piano sound.
As we near the end, although I like the Blur vibes of "Girls & Boys" (even in the title) and the folky offshoot of "To The Country", I'm left with the collaboration of a still unknown Amy Taylor ( Amyl And The Sniffers) together with which the group works on a great song flavored with 100% American oak whiskey.
All in all, Viagra Boys' second album is a magnificent follow-up to the first "Street Worms." While it is true that they have lost a bit of the power of surprise, they have certainly gained in terms of creating a mature sound that is not at all devoid of taste. They have shown us again that they are capable of a lot, once again.
Parece todavía ayer cuando muchos de nosotros descubrimos ese vídeo de unos tenistas echándose un partido en una pista muy colorida además de cubierta. En ese partido, bastante amateur, todo sea dicho, un cantante con unas pintas de yonki venido a menos amenizaba el enfrentamiento cantando sobre las extrañas bondades de los deportes, en ese temazo llamado "Sports" que nos hizo conocer a Viagra Boys.
Tres años después de aquello, y con "Street Worms" estando ya de manera unánime entre las claras revelaciones de la última década, nos llega el segundo trabajo de la banda, "Welfare Jazz". En él, comprobamos que la esencia de los suecos, compuesta de post-punk, instrumentos más clasicos y ese toque tan importante de ironía sigue inalterable una vez más.
Ya desde el primer LP sabemos de la facilidad de los suecos para componer canciones súper pegadizas, lo cual no deja de sorprendernos cuando comienzan este segundo con "Ain't Nice", una canción que te machaca los huesos con su ritmo y con ese saxo tan rompedor. Otro fundamento básico de la banda es el bajo, que junto con la voz del frontman Sebastian Murphy conforman el claro esqueleto del sonido de Viagra Boys. Así lo demuestran en "Toad", tema que levita entre el insistente bajo y las voces crooner y desgarradas.
Dentro de ese estilo tan post-punk de estirar las líneas de bajo ad infinitum, al grupo le gusta variar la forma en la que lanzan esta pasta viscosa, a veces oscura, a veces luminosa, a sus oyentes. En el caso de "Into The Sun" hay una atmósfera muy de "Sunday Morning" que nos recuerda tanto a The Velvet Underground y que impregna todo de ese rock que ya no es rock, suave y dejado. El sonido de la resaca.
Antes que la facilona aunque bien traída "Creatures" prefiero temas que, además de ser más ácidos, consiguen atraer con pequeñas guindas rojas incluidas a drede entre tanto blanco y negro. Esto podemos encontrarlo en el ritmo de escena de peli de acción de "6 Shooter", o en ese tema tan de planear el robo de un banco que es "I Feel Alive", con ese diabólico sonido de piano.
Ya rozando el final, si bien me gustan las vibras tan Blur de "Girls & Boys" (incluso en el título) y el ramalazo folk de "To The Country", me quedo de largo con la colaboración de una todavía desconocida Amy Taylor (Amyl And The Sniffers) junto con la cual el grupo se curra un temazo con sabor a whisky de roble 100% americano.
En definitiva, el segundo álbum de Viagra Boys es una continuación magnífica del primer "Street Worms". Si bien es cierto que han perdido un poco el poder de sorpresa, desde luego han ganado en lo que respecta a conformar un sonido maduro no exento en absoluto de gusto. Nos han vuelto a demostrar de que son capaces de mucho, una vez más.
For a few years now, extreme metal's hopes of coming up with a decent novelty have been placed on bands like Harakiri For The Sky. Following that path started by Ulver or Summoning, and later polished by Alcest or Deafheaven (each in their own way), the union of corrosiveness and open-mindedness of black metal, along with the melodic beauty and wall of sound of shoegaze, They make up a sound that, years after its takeoff, seems to still be in top shape.
This duo from the city of Vienna (Austria) is now publishing what is now their fifth album. His discography, being rather continuous within a mixture of styles with little room for maneuver, never quite falls into the linear. This is a conclusion we also reached after listening to this new "Maere".
But let's better start at the beginning. This work, published by AOP Records, is presented on a double CD, which makes it easier to listen to in physical format, but does not create a big problem in digital format. Of course, venturing into an hour and a half of post-black-shoegaze is only reserved for them and a few other names. In these times, making the most of your time by listening to something that is truly worthwhile is most essential.
The path begins in "I, Pallbearer", with a large amount of double bass drum and melody, unmistakable hallmarks. Special mention deserves Kerim "Krimh" Lechner, current drummer for Septicflesh, who also plays drumsticks on all of the songs here. "Sing for the Damage We've Done" contains one of the high points of the album: the vocal collaboration of Neige (Alcest, Amesoeurs) of a song that begins immersed in the simple beauty of primal melodic death, and that accelerates in a spiral as its eight-minute duration passes.
In the same way that it would be impossible to describe each song on this album because it requires hours of reading, in each and every one of them there is a component that is repeated not only here, but since its first composition ten years ago: beauty. The point that links not only those first two cuts, but also the rest that follow them, is always a chord or some inspired riff that is followed by impeccable drums and J.J.'s unmistakable strummed vocals. Between these moments, in addition, we always have an added icing on the cake, as in the epic finale of "I'm All About the Dusk" or the setting and rhythmic changes of "Three Empty Words", one of my favorites.
The second album, if we take the concept of two separate parts as a basis, makes us begin a journey again, back to a new shore, which does not mean that we have stopped treading the same ground as before. The simple but effective chords of "Once Upon A Winter" turn the journey of a long song into an enjoyment that passes in the blink of an eye. Nostalgia and heartbreak become dramatic thanks to the emotionality and bleak riffs of "And Oceans Between Us." In addition to them, "Time Is A Ghost" also stands out, with a beautiful intro and some heartbreaking melodies to complete this second tour with your heart in your mouth.
Finally, the final detail of the album is unbeatable, with a very own version of "Song To Say Goodbye" (Placebo) that takes away the meaning and makes the listening to "Maere" end on a high note.
Desde hace unos años, las esperanzas del metal extremo por dar con una novedad decente están depositadas en grupos como Harakiri For The Sky. Siguiendo esa senda iniciada por Ulver o Summoning, y más tarde pulida por Alcest o Deafheaven (cada uno a su manera), la unión de corrosividad y apertura de miras del black metal, junto con la belleza melódica y el muro de sonido del shoegaze, conforman un sonido que, años más tarde de su despegue, parece seguir en plena forma.
Este dúo procedente de la ciudad de Viena (Austria) publica ahora el que es ya su quinto álbum. Su discografía, siendo más bien continuista dentro de una mezcla de estilos con poco margen de maniobra, nunca acaba de caer en lo lineal. Esta es una conclusión a la que también llegamos después de unas escuchas a este nuevo "Maere".
Pero mejor comencemos por el principio. Este trabajo, editado por AOP Records, viene presentado en un doble CD, lo cual facilita la escucha en el formato físico, pero tampoco crea un gran problema en el digital. Eso sí, aventurarse con hora y media de post-black-shoegaze está solo reservado a ellos y unos pocos nombres más. En estos tiempos, rentabilizar el tiempo oyendo algo que de verdad merezca la pena es de lo más fundamental.
El camino se inicia en "I, Pallbearer", con una gran cantidad de doble bombo y de melodía, señas de identidad inequívocas. Mención especial merece Kerim "Krimh" Lechner, actual batería de Septicflesh, y que también ejerce aquí con las baquetas en la totalidad de los temas. "Sing for the Damage We've Done" encierra uno de los puntos álgidos del disco: la colaboración vocal de Neige (Alcest, Amesoeurs) de un tema que arranca sumido en la belleza sencilla del death melódico primigenio, y que va acelerando en espiral conforme pasan sus ocho minutos de duración.
De la misma manera en que sería imposible describir cada canción de este disco por necesitar horas de lectura, en todas y cada una de ellas hay un componente que se repite no solo aquí, sino desde su primera composición hace ya diez años: la belleza. El punto que enlaza no solo esos dos primeros cortes, sino también el resto que les siguen, es siempre un acorde o algún inspirado riff al que le sigue una batería impecable y las inconfundibles voces rasgadas de J.J.. Entre dichos momentos, además, siempre tenemos una guinda añadida, como en el epico final de "I'm All About the Dusk" o la ambientación y cambios rítmicos de "Three Empty Words", una de mis favoritas.
El segundo disco, si tomamos como base el concepto de dos partes separadas, nos hace iniciar de nuevo un viaje, de vuelta a una nueva orilla, lo cual no quiere decir que hayamos dejado de pisar el mismo terreno que antes. Los sencillos pero efectivos acordes de "Once Upon A Winter" convierten el trayecto de un tema largo en una gozada que se pasa en un abrir y cerrar de ojos. La nostalgia y el desamor se vuelven dramáticos gracias a la emotividad y los riffs desoladores de "And Oceans Between Us". Además de ellos, también destaca "Time Is A Ghost", con una intro preciosa y unas melodías desgarradoras para completar este segundo recorrido con el corazón en un puño.
Ya para acabar, es inmejorable el detalle final del disco, con una versión muy propia de "Song To Say Goodbye" (Placebo) que quita el sentido y que hace finalizar la escucha de "Maere" por todo lo alto.
Metallica will release their 12th album in 2023 with rather light expectations and more focused on their own mega festival of nothing more and nothing less than two (2) days with two (2) concerts by the band, also having the considerable detail of Do not repeat topics in either event. The cheapest ticket for just one (1) day is 105 euros, with the most expensive pass and with its VIP items reaching more than two thousand (2,000) euros.
As we said, there is little or no expectation that an album by James Hetfield and his colleagues can raise. The music has changed but the massive concerts not so much, and that is why the sound of Californians has been migrating progressively (or not so much) to much older terrain, seeking to make an impact on fans of stadium rock groups and less. to publish a considerably interesting album within a year.
If you feel like listening to Kirk Hammet's Lynyrd Skynyrd-style solos like in "Shadows follow", chords more typical of Texas than the Bay Area like in "Sleepwalk my life away", Hetfield's careful but ragged voice in all of them the themes and, in general... Coincidentally, "72 Seasons" improves as the end approaches, with a certain old school essence in "Lux Aeterna" or the cool Thin Lizzy vibe of "Crown of Barbed Wire." In short, you can live without this unless you are an unconditional fan of these thrash metal legends.
From the formerly known as cold Canada (hello global warming) comes Spectral Wound's third album. After their "Infernal Decadence" last 2018, the group's base and motivation remains intact and ready to fill us with their rabid melancholy in each of the entertaining 6 cuts that make up "A Diabolic Thirst".
And, as their cover tells us, the band is completely dedicated to the decadence and desolation of this world (or some other, who knows). The first thing that comes to mind when listening to those devastating riffs sewn into furious blast beats are French-speaking bands like Véhémence or Sünhopfer, or the depressive but heartfelt black of Sargeist. They are also not far from influences like Mgla, already almost omnipresent in this type of styles and a reference for many to follow.
As for the album, with themes so compact, but not complex, it is difficult to make qualitative distinctions between them. From the fast-paced "Imperial Saison Noire", to the apocalyptic "Fair Lucifer, Sad Relic", to the catchy "Frigid And Spellbound", Spectral Wound's color palette remains as concrete as ever, heading towards infinite darkness in every minute that the album gives us.
In conclusion, those who know and regularly visit black metal and its new developments will know that these Canadians are making a more than worthy name for themselves in a scene too weighed down by extreme ideologies.
Litost is a Valencian band that practices black metal that is as extreme as it is emotional, and that comes to us as a recommendation from our always accurate friends at Blood Fire Death. From the moment we press play until the end of the almost 34 minutes of "Pathos", we enter a world of uncontained rage, united with the greatest introspection and human misery so present in the literature of the author Milan Kundera, everything a reference in the lyrics and general inspiration of this project.
There are several influences that help shape this quartet. To tell the truth, it becomes difficult and at the same time fun to be able to compare styles and bands given the fresh and entertaining themes that the album offers us. To begin with, the initial "Tromba" throws us a shower of stars in the form of riffs that can remind us of names from the most "post-" new wave of black, such as Der Weg einer Freiheit or Harakiri For The Sky. At the same time, the marked speed of all its cuts, as well as the few melodic pauses, give the general rhythm a freneticism that is very reminiscent of Scandinavian black classics. We have this example in cuts like "Espectro" or "Ambush".
As we were explaining previously, the great point in favor of these lovers of vital desperation is that they manage to embrace new ways of making black without losing the essence of older styles. Great proof of this is "Simún", another of the key moments of the album, and which also serves as an adequate presentation of the style they practice.
To finish this analysis in style, and taking advantage of the time that has passed since its launch, we can add that Litost have been winners of the Band Contest held by the Resurrection Fest for 2023, so those attending the Galician festival will have the opportunity to share human futility through riffs with them.
For fans of dark, patient and at the same time intense metal, a new publication by Vidres a la Sang is always good news. Having been "silent" during the past years of the pandemic and with no news since that enormous "Set de Sang" in 2018, the current moment seems appropriate to delve into the bowels of new compositions by this Catalan group.
Already entering fully into "Fragments de L'Esdevenir", and despite it being their fifth album, the trio continues to strive to make their mark clear from the first second. Not in vain, "Mort de Paraula" becomes one of my favorite moments, with a crescendo that seems to have a life of its own.
Another of the paradoxical details that stands out in this project is the simplicity with which the group tries to go further with developments, changes of rhythm and "raw" experimentation, without out-of-place complements. This desire to be progressive within their black/death brings thousands of nuances to the final result, something that we can see in "Salveu-me els Ulls".
There is another clear difference between "Fragments de L'Esdevenir" and its predecessor: the duration. Despite being released as an LP and not an EP, the total time is cut by 15 minutes compared to "Set de Sang", which gives each of the five songs a crucial position within the final result.
To finish, the last two compositions change their proposal a few degrees, allowing themselves to be carried away more by the previously mentioned progressiveness, instead of by the intensity. This takes shape and color in a lilting and entertaining "Fins Aqui", with an ending that combines spoken word and a riff in the form of an Opeth high, and in "Ara Es Demà", which lands us between developments to an intense calm. with only seventies included.
In conclusion, although "Set de Sang" seems to have become a crucial release in the history of Vidres a la Sang, this latest "Fragments de L'Esdevenir" increases expectations about the group and gives us hope of being able to enjoy the live trio sooner rather than later.
Para los aficionados al metal oscuro, paciente y a la vez intenso, una nueva publicación de Vidres a la Sang siempre es una buena noticia. Habiendo estado "en silencio" durante los pasados años de pandemia y sin novedades desde aquel enorme "Set de Sang" en 2018, el momento actual parece el adecuado para adentrarse en las entrañas de nuevas composiciones de este grupo catalán.
Entrando ya de lleno en "Fragments de L'Esdevenir", y pese a ser ya su quinto álbum, el trío sigue esforzándose en dejar clara su huella desde el primer segundo. No en vano, "Mort de Paraula" se convierte en uno de mis instantes favoritos, con un in crescendo que parece tener vida propia.
Otro de los paradójicos detalles que destaca en este proyecto es la sencillez con la que el grupo intenta ir más allá con desarrollos, cambios de ritmo y una experimentación "cruda", sin complementos fuera de lugar. Este afán por ser progresivos dentro de su black/death aporta miles de matices al resultado final, algo que podemos comprobar en "Salveu-me els Ulls".
Hay otra clara diferencia entre "Fragments de L'Esdevenir" y su predecesor: la duración. Pese a ser editado como LP y no como EP, el tiempo total se recorta en 15 minutos con respecto a "Set de Sang", lo cual otorga a cada uno de los cinco temas una posición crucial dentro del resultado final.
Para acabar, las dos últimas composiciones viran unos cuantos grados su propuesta, dejándose llevar más por la progresividad anteriormente comentada, en lugar de por la intensidad. Esto toma forma y color en una cadente y entretenida "Fins Aquí", con un final que combina spoken word y un riff en forma de subidón a lo Opeth, y en "Ara Es Demà", que nos aterriza entre desarrollos hasta una calma intensa con solo setentero incluido.
En conclusión, si bien "Set de Sang" parece haberse convertido en un lanzamiento crucial en la historia de Vidres a la Sang, este último "Fragments de L'Esdevenir" aumenta las expectativas sobre el grupo y nos devuelve la esperanza de poder disfrutar del trío en directo más pronto que tarde.
After a long and intense 5 years of waiting, we finally have in our ears the new album by these French lovers of Asian music and of mixing beatdown hardcore, metalcore and languages (English and French basically), so everything mixed well in the blender . and seasoned here and there with breakdowns and slippers.
All of this that we discussed means that the final formula repeats the result of previous albums, especially their lively debut "Welcame", which gave them the leap to more than relative fame to manage the business little. Despite this, it is true that we can see clear differences in what each gives us, mainly in that the songs on "Showdown" all sound more mature now, as if they had taken the trouble to review the song much more conscientiously. production and composition of each of the moments on the album.
Now, it is obvious that many of the group's fans, who are rather young and are not known for wearing teeth, and who, eager for violent and motivating experiences, will find themselves with a little disappointment when they discover that not everything here is jauja . Despite this, they will be relieved to know that they have mosh to bore in songs like "Showdown" (nu metal is back?), "Crank It Up" or "Shogun No Shi".
Personally, I prefer the songs where Parisians look for a twist on a sound that is quite predictable a priori. The tip of the iceberg of this intention is undoubtedly "Clan", the most surprising song on the album and which, without inventing anything, establishes a basis for the project to grow and have an even more unique sound.
Having said all this and to top it off, it has been worth the wait for a "Showdown", a new season without filler and with everything necessary to capture more Saiyans in its proposal.
From the hand of the prolific and always violent label Closed Casket Activities comes the second LP by Regional Justice Center, a band that has managed to give birth to one of the great surprises of this year 2021.
For those who don't know them, they come from Seattle and throw in our faces music based more on intentions and attitude than on defined styles. Despite the fact that analyzes and websites classify them as powerviolence, the reality is that the influences do not stop growing in the scarce 13 minutes and 27 seconds that the album lasts: from grindcore to hardcore punk, passing through the entire range of substyles that may cross your mind.
It's curious how well the puck fits each punch that cuts that last a minute and a half at most. Just as we have songs that leave us breathless, like the initial "Taught To Steal" or "Violent Crime", in the same way they step on the brakes and cut the rhythm like in "Absence" or "Inhuman Joy", even giving the songs with a certain groovy air, always putting the whole thing first rather than giving wax and polishing wax without any consideration.
In case this is not enough for you and you need some more specific reference, tell you that groups from the same label such as Gulch, Vein or the almighty Nails are first cousins of these cafres. Another great point in its favor is, of course, the vindictive chicha hidden in the group's lyrics.
Once the priority projects of the members of Philadelphia have allowed it, Collapsed Skull has gotten to work to release a first album after their initial EP "Eternity Maze", highly acclaimed by American underground critics in 2022.
And Full of Hell and Jarhead Fertilizer are two icons of the current American extreme. And, as it could not be otherwise, the result of mixing them in the same band with a similar direction translates into a raw and experimental grindcore, which mixes the innate viscerality of the style together with passages of hip-hop and excerpts from speeches from characters like Noam Chosky.
Something to highlight, although it might be expected, is the production and sound, which seems more taken from a live performance than from a studio recording. This ends up resulting in an organic, impeccable drum set loaded with all the destructive power possible, as well as a set that devastates everything possible when things get violent.
On the other hand, the hip-hop cuts and other ambiance put a finishing touch to a very complete album, not at all boring and that roughly stages what a new grindcore project represents that has everything to make a name for itself among the others. projects of its components.
As a curiosity, the group has also released a mixtape called "Truth Serum", which delves much deeper into the experimental side and is almost exclusively dedicated to the most underground hip-hop, consummating an open-mindedness of its members, something for example already evidenced with Full of Hell and its thousand and one collaborations.
Una vez los proyectos prioritarios de los componentes de Philadelphia se lo han permitido, Collapsed Skull se ha puesto manos a la obra para editar un primer disco tras su inicial EP "Eternity Maze", muy aclamado por la crítica underground americana en el pasado 2022.
Y es que Full of Hell y Jarhead Fertilizer son dos iconos del extremo actual estadounidense. Y, como no podía ser de otra manera, el resultado de mezclarlos en una misma banda con una dirección similar se traduce en un grindcore crudo y experimental, que mezcla la visceralidad innata del estilo junto con pasajes de hip-hop y extractos de discursos de personajes como Noam Chosky.
Algo a destacar, pese a que pudiera ser de esperar, es la producción y sonido, el cual parece más extraído de un directo que de una grabación de estudio. Esto acaba resultando en una batería orgánica, impecable y cargada con todo el poder de destrucción posible, así como un conjunto que arrasa con todo lo posible cuando la cosa se pone violenta.
Por otra parte, los cortes de hip-hop y demás ambientación ponen un broche de oro a un disco muy completo, nada aburrido y que escenifica a grandes rasgos lo que supone un nuevo proyecto de grindcore que tiene todo para hacerse un nombre entre los otros proyectos de sus componentes.
A modo de curiosidad, el grupo también ha editado una mixtape llamada "Truth Serum", que ahonda mucho más en la faceta experimental y se dedica casi en exclusiva al hip-hop más underground, consumando una apertura de miras de sus componentes, algo por ejemplo ya evidenciado con Full of Hell y sus mil y una colaboraciones.
Desde la anteriormente conocida como fría Canadá (hola calentamiento global) nos llega el tercer trabajo de Spectral Wound. Tras su "Infernal Decadence" del pasado 2018, la base y motivación del grupo sigue intacta y dispuesta a llenarnos de su melancolía rabiosa en cada uno de los entretenidos 6 cortes que forman "A Diabolic Thirst".
Y es que, tal como nos indica su portada, la banda está dedicada por completo a la decadencia y desolación de este mundo (o de algún otro, quien sabe). Lo primero que se nos viene a la cabeza al escuchar esos devastadores riffs cosidos a furiosos blast beats son bandas francófonas como Véhémence o Sünhopfer, o el black depresivo pero sentido de Sargeist. Tampoco andan lejos de influencias como Mgla, ya casi omnipresentes en este tipo de estilos y referencia a seguir para muchos.
En cuanto al disco, con temas tan compactos, que no complejos, se hace difícil hacer distinciones cualitativas entre ellos. Desde la acelerada "Imperial Saison Noire", hasta la apocalíptica "Fair Lucifer, Sad Relic", pasando por la pegadiza "Frigid And Spellbound", la gama de colores de Spectral Wound sigue siendo tan concreta como siempre, yendo hacia la oscuridad infinita en cada minuto que nos brinda el álbum.
En conclusión, quien conoce y visita de manera asidua el black metal y sus novedades, sabrá que estos canadienses se están haciendo un nombre más que digno en una escena demasiado lastrada por ideologías extremas.
Cuanto menos sorprendente es la irrupción de Lust dentro del panorama del metal y el hardcore de nuestro país, más concretamente de la capital. Para empezar, sabemos que todos sus componentes vienen de grupos anteriores de la escena underground, y también que tuvieron la oportunidad de lucirse como teloneros de Sick Of It All el pasado verano, una referencia que viene que ni pintada al grupo. El debut de Lust se denomina "Invictvs", y es todo un alegato contra el racismo, la xenofobia y el maltrato animal, como idea principal. A partir de ahí, de su sonido podemos extraer muchas ideas y la mayoría son positivas para el resultado final.
Para empezar fuerte, lo primero que nos pasa al escuchar los primeros temas, es que la etiqueta hardcore se nos queda no solo pequeña, sino inservible para describirlos. En "Lust" podemos encontrarnos desde una intro electrónica hasta sonidos que van desde el death y el black, pasando por el metalcore o el hardcore melódico con voces limpias, y eso solo ya en la primera mitad.
Otras de las influencias que podemos encontrarnos ya hacia la segunda mitad es la de Brujería en "Isolation" o la potencia de unos Hatebreed en "Éxodo", manteniendo aquí la versatilidad de la banda al no tocar nunca dos palos iguales seguidos.
Tras todo esto, y como podéis imaginar, podemos destacar lo flexible y variado de "Invictvs" como referencia más que positiva para seguir la actividad de Lust y ver cómo evolucionan en un futuro próximo.
Litost es una banda valenciana practicante de un black metal tan extremo como emocional, y que nos llega como recomendación de nuestros siempre certeros amigos de Blood Fire Death. Desde que pulsamos el play hasta el fin de los casi 34 minutos de "Pathos", nos adentramos en un mundo de rabia nada contenida, unida a la mayor de las instrospecciones y la miseria humana tan presentes en la literatura del autor Milan Kundera, todo un referente en las letras e inspiración general de este proyecto.
Varias son las inluencias que ayudan a dar forma a este cuarteto. A decir verdad, se torna difícil y a la vez divertido poder comparar estilos y bandas ante los temas tan frescos y entretenidos que nos ofrece el álbum. Ya para empezar, la inicial "Tromba" nos lanza una lluvia de estrellas en forma de riffs que tanto puede recordarnos a nombres de la nueva ola del black más "post-", como Der Weg einer Freiheit o Harakiri For The Sky. Al mismo tiempo, la velocidad tan marcada de todos sus cortes, así como las contadas pausas melódicas, dotan al ritmo general con un frenetismo que recuerda mucho a los clásicos del black escandinavo. Este ejemplo lo tenemos en cortes como "Espectro" o "Emboscada".
Tal como íbamos desgranando anteriormente, el gran punto a favor de estos amantes de la desesperación vital es que consiguen abrazar los nuevos modos de hacer black sin perder la esencia de estilos más añejos. Gran prueba de ello es "Simún", otro de los momentos clave del disco, y que también sirve como adecuada presentación del estilo que practican.
Para acabar este análisis por todo lo alto, y aprovechando el margen de tiempo que ha pasado desde su lanzamiento, podemos añadir que Litost han resultado ganadores del Band Contest que realiza el Resurrection Fest para este 2023, por lo que los asistentes al festi gallego tendrán la oportunidad de compartir la futilidad humana a base de riffs junto a ellos.
De las nada gélidas tierras de Barcelona nos llega el cuatro trabajo de estudio de Icestorm, banda dispuesta a bajar todavía más si cabe la temperatura de este invierno en el que nos encontramos, y caracterizado por ser un álbum conceptual en su totalidad.
Si bien sabemos que una vuelta por el norte peninsular o europeo puede inspirar hasta al más veraniego de los humanos, las influencias del grupo no se quedan en el clima. Desde los estilos musicales que abarca de la manera más ampllia posible, hasta la historia de cruzadas en el norte europeo que nos cuenta su cantante Marc Storm, pasando por una corta duración (media hora larga), son varios los detalles que nos pueden enganchar a esta propuesta.
Si hablamos de influencias musicales, el trío condensa la inspiración en la historia y cultura nórdicas en temas parecidos pero diferentes musicalmente hablando. Los épicos riffs de "Across the Baltic Sea" y "Clash Of Titans" que tanto nos recuerdan a Amon Amarth, los coros marciales de "The Iron Fist on the Lance Shaft" que emulan la mejor época de Ensiferum o Turisas, o los sutiles acercamientos a estilos más extremos, como en la gran "The Teutonic Charge", o en "Fields Of Death".
Con la melancólica "Triumph of the Pagan Warriors" echa el cierre este disco, más intenso al principio y variado en el resto, que hace de su escucha una gozada más que entretenida para quien disfruta de sonidos inspirados en historias de batallas en el norte y masacres de bárbaros.
Si hay algo que no se le puede echar en cara a este EP llamado "Embrace The Obsession", editado el pasado 2020, es la falta de elementos de la vieja escuela, lo cual hará de su escucha un disfrute para todos los fans del death metal más primigenio.
¿Y a qué suenan Horripilant? Si algo sabemos es que este trío valenciano tiene muy claro que los únicos principios válidos para la composición de nueva música son ceñirse a los tiempos más underground del estilo: producción seca, ritmos sin respiro y temática malrollera por todas partes.
Hay quien igual se lleva un sorpresa cuando se entere que detrás de este nuevo proyecto se encuentra David Ochando, voz y bajo de Domains, grupo también de la terreta y que nos enterró en ese mar de riffs y satanismo que fue "Sinister Ceremonies" allá por 2014. En este caso todo gira más claramente alrededor del death, influenciado quizá por el paso del bajo a la guitarra del propio David.
Si bien la última y homónima "Embrace The Obsession" tiene un rumbo menos marcado (pero un final acojonante), sí hay que decir que los otros tres temas entran como puñetazos en el estómago, siempre dirigidos al núcleo del death más oscuro y violento: velocidad, riffs demoníacos y espíritu old-school por todas partes.
La única pega que le veo a este EP es que sepamos de la existencia de Horripilant y que no tengamos todavía fecha para su primer LP.
No hay duda de que las hordas del death doom en nuestro país están muy en forma. Una muestra muy evidente es la de Hex, grupo vasco que ahora edita el EP "Behold The Unlighted", y que actualiza así su repertorio y lo añade a sus dos anteriores discos.
Para durar "solamente" 20 minutos, los tres temas que componen esta grabación nos dejan muy buen sabor de boca, sin riesgo a empacharnos. Si bien los EPs tienden a saciar un poco más en variedad, la cocción lenta de estas tres canciones sienta de maravilla para disfrutar de todas ellas al completo.
Un piano bastante seductor al comienzo de "As Darkness Descend Upon You" es la antesala a unos ritmos arrastrados, los cuales nos permiten comprobar que la parte doom de Hex puede recordarnos a grupos como Katatonia o My Dying Bride. Al mismo tiempo, en lo que corresponde a los riffs y la agresividad, estos se entregan casi por completo al death, formando así una conjunción de sonidos y cadencias que dan un aprobado alto al grupo.
Casi sin pausa entre pistas, la intermedia "Impending Doom Towards Darkness" hace honor a su nombre evolucionando en ritmo machacón y ganando en agresividad, un poco a lo Bolt Thrower, sin perder por ello la vista en algunos detalles más doom, como los acordes melódicos de la guitarra. Muy destacable el final intenso y desgarrado.
Siguiendo con el viaje, la tercera y última "...And Thus Spoke Darkness" se convierte en mi favorita de las tres, gracias a su aroma death y a sus riffs afilados, los cuales combina con bajadas a los infiernos más doom posibles, con pasaje ambiental y guitarra acústica incluidos para terminar.
En resumen, Hex demuestran con este EP que tienen una gran habilidad compositiva, la cual esperamos que se vuelva a confirmar pronto con el lanzamiento de un álbum.
Desde el cálido (si no infernal) verano de 2022 nos saluda "Corpes And Ashes", debut de una banda catalana llamada Fogos, nombre cuanto menos ideal para la época en que se editó.
La propuesta de Fogos es tan humilde como legítima. En su sonido ofrecen un black metal rabioso pero certero, tan fácil de escuchar como intenso para los oídos. Pese a ser novatos en esto de publicar (no en vano se han autoeditado el disco), la verdad es que el sonido y la producción no envidian nada en absoluto a los grandes de la escena, esos que andan unos cuantos miles de kilómetros más al norte de nuestro continente.
Y es que las influencias del grupo nos vienen a la mente nada más arrancar "Acheron", el primer tema de unos diez que para nada se hacen cuesta arriba en cuanto a duración. Desde el raw más fundamental de Taake o Mayhem hasta los subidones propios de grupos con cierta tendencia a acelerar su sonido, como los belicosos 1349.
La característica que más destaca en estos 46 minutos de riffs oscuros y apocalípticos es la falta de piedad de los cuatro miembros de la banda con su oyente, omitiendo en todo momento pasajes experimentales, instrumentos adicionales o cualquier otro elemento extra que no sea el puro y duro black metal. No por ello les faltan recursos, al contrario: basta escuchar "Caronte", o la más desarrollada punta de lanza del álbum, "Mortis".
Dicho esto, y como siempre decimos, para un grupo como Fogos se ve indispensabe girar por donde les permitan presentar los cadavéricos riffs que forman "Corpses And Ashes", un debut digno de darse a conocer lo máximo posible.
Lo primero que nos llama la atención al comenzar la escucha de "Where Humanity Ends" es la composición tan concienzuda que este grupo madrileño imprime en sus temas. Antes llamados The Seed, no hay duda de que el cambio de nombre a Fierce Cult responde sobre todo a un 'doble o nada' en su apuesta sobre su sonido y la implicación en el mismo.
Pese a la duración de los temas, todos entre los cuatro y cinco minutos, la dirección del álbum siempre acaba siendo el groove y su exploración, sin alejarse totalmente de la técnica. Si bien es cierto que los cambios pueden llegar a abrumar en las primeras escuchas, al mismo tiempo hablamos de temas que, pese a exigirnos, siempre priorizan el disfrute y el meneo de cabeza.
Aunque las primeras influencias que se nos puedan venir a la cabeza sean las de grupos de thrash con mucho groove como los obvios Pantera o Machine Head, el trasfondo de este proyecto va mucho más allá, al dotar de un toque técnico o progresivo aquí y allá, endulzando todo el disco en general. Ejemplos claros de ello son "Choose Your Gun" y "Anger", dos canciones muy inspiradas que están, en mi opinión, un nivel por encima del resto.
Pero ojo, tampoco es que parecerse a alguien en este mundo del groove esté mal visto, todo lo contrario. De hecho, sí se vislumbran las habilidades técnicas de bandas de thrash americano como las nombradas anteriormente. Temas como "Feed On Fear" o "There's Something In My Dreams" recuerdan bastante a, por ejemplo, los desarrollos técnicos de Mark Morton en Lamb Of God.
Esperamos que la apuesta a 'doble o nada' sea ganadora y tengamos Fierce Cult para rato.
