Vrademargk - Arrelats (2021) (English review)

 

Another novelty this year in terms of national extreme metal is the return of Vrademargk. This band from Terrassa releases its third album in 2021, eight years after its previous "The Black Chamber", and with an increasingly changing musical world, even more so than when that work was released.

"Arrelats" is the new work of these musicians in love with the melodic death of Göteborg and everything that has to do with said style. The first surprise that we find as soon as we start the album is the change to the Catalan language, with which they seem more comfortable than with the English of their previous compositions.

 

Already into the album, the homonymous "Arrelats" clearly stands out, with an overwhelming beginning that reminds us a lot of bands like At The Gates. Other more changing songs such as "Estigmes Sobre Cendres" or "L'alè Dels Indòmits" show that the group has quite a bit of versatility when it comes to composing. Not in vain, they achieve a sound that, as we say, is very reminiscent of the Swedish melodies of the aforementioned Björler brothers or Dark Tranquillity, but at the same time each track maintains a hallmark, based on the good drum work or on the eminently serious sounds, which give the final result its own meaning.

Finally, it is worth highlighting "Egocidi", a very thrash song where the excellent drum work of the entire album shines above all, as well as the dark riffs of the anguished and intense "Eudaimonia" that remind us so much of Stained Blood. And this "Arrelats" confirms that Vrademargk are carving out a place for themselves among the best of Catalan extreme metal.

Vrademargk - Arrelats (2021)

Otra de las novedades de este año en cuanto a metal extremo nacional es la vuelta de Vrademargk. Este grupo de Terrassa edita en 2021 su tercer disco, ocho años después de su anterior "The Black Chamber", y con un mundo musical cada vez más cambiante, incluso más que cuando ese trabajo vio la luz.

"Arrelats" es el nuevo trabajo de estos músicos enamorados del death melódico de Göteborg y de todo lo que tenga que ver con dicho estilo. La primera sorpresa que nos encontramos nada más empezar el disco es el cambio al idioma catalán, con el cual se les ve más cómodos que con el inglés de sus anteriores composiciones.

Ya metidos en el álbum, destaca claramente la homónima "Arrelats", con un comienzo arrollador que nos recuerda mucho a bandas como At The Gates. Otros temas más cambiantes como "Estigmes Sobre Cendres" o "L'alè Dels Indòmits" demuestran que el grupo tiene bastante versatilidad a la hora de componer. No en vano, consiguen un sonido que, como decimos, recuerda mucho a las melodías suecas de los ya citados hermanos Björler o de Dark Tranquillity, pero al mismo tiempo cada pista mantiene una seña de identidad, basada en el buen trabajo de batería o en los sonidos eminentemente graves, que dotan de un sentido propio el resultado final.

Cabe destacar por último "Egocidi", un tema muy thrash donde brilla sobre todo el excelente trabajo de batería de todo el disco, así como los riffs oscuros de la angustiosa e intensa "Eudaimonia" que tanto nos recuerdan a Stained Blood. Y es que este "Arrelats" confirma que Vrademargk se están haciendo un hueco por méritos propios entre lo mejor del metal extremo catalán.

Viagra Boys - Welfare Jazz (2021) (English review)

 

It still seems like yesterday when many of us discovered that video of some tennis players playing a match on a very colorful and indoor court. In that match, quite amateurish, it must be said, a singer who looked like a run-down junkie livened up the confrontation by singing about the strange benefits of sports, in that great song called "Sports" that introduced us to Viagra Boys.

Three years after that, and with "Street Worms" already being unanimously among the clear revelations of the last decade, we get the band's second album, "Welfare Jazz". In it, we see that the essence of the Swedes, composed of post-punk, more classic instruments and that important touch of irony, remains unchanged once again.

Since the first LP we know about the Swedes' ability to compose super catchy songs, which never ceases to surprise us when they begin this second one with "Ain't Nice", a song that crushes your bones with its rhythm and that sax. so groundbreaking. Another basic foundation of the band is the bass, which together with the voice of frontman Sebastian Murphy make up the clear skeleton of Viagra Boys' sound. This is demonstrated in "Toad", a song that levitates between the insistent bass and the crooner and torn voices.

Within that very post-punk style of stretching the bass lines ad infinitum, the group likes to vary the way in which they throw this viscous paste, sometimes dark, sometimes luminous, at their listeners. In the case of "Into The Sun" there is a very "Sunday Morning" atmosphere that reminds us so much of The Velvet Underground and that permeates everything with that rock that is no longer rock, soft and left. The sound of the hangover.

Before the easy but well done "Creatures" I prefer songs that, in addition to being more acidic, manage to attract with small red cherries deliberately included between so much black and white. We can find this in the action movie scene rhythm of "6 Shooter", or in that theme about planning a bank robbery that is "I Feel Alive", with that diabolical piano sound.

As we near the end, although I like the Blur vibes of "Girls & Boys" (even in the title) and the folky offshoot of "To The Country", I'm left with the collaboration of a still unknown Amy Taylor ( Amyl And The Sniffers) together with which the group works on a great song flavored with 100% American oak whiskey.

All in all, Viagra Boys' second album is a magnificent follow-up to the first "Street Worms." While it is true that they have lost a bit of the power of surprise, they have certainly gained in terms of creating a mature sound that is not at all devoid of taste. They have shown us again that they are capable of a lot, once again.

Viagra Boys - Welfare Jazz (2021)

 

Parece todavía ayer cuando muchos de nosotros descubrimos ese vídeo de unos tenistas echándose un partido en una pista muy colorida además de cubierta. En ese partido, bastante amateur, todo sea dicho, un cantante con unas pintas de yonki venido a menos amenizaba el enfrentamiento cantando sobre las extrañas bondades de los deportes, en ese temazo llamado "Sports" que nos hizo conocer a Viagra Boys.

Tres años después de aquello, y con "Street Worms" estando ya de manera unánime entre las claras revelaciones de la última década, nos llega el segundo trabajo de la banda, "Welfare Jazz". En él, comprobamos que la esencia de los suecos, compuesta de post-punk, instrumentos más clasicos y ese toque tan importante de ironía sigue inalterable una vez más.

Ya desde el primer LP sabemos de la facilidad de los suecos para componer canciones súper pegadizas, lo cual no deja de sorprendernos cuando comienzan este segundo con "Ain't Nice", una canción que te machaca los huesos con su ritmo y con ese saxo tan rompedor. Otro fundamento básico de la banda es el bajo, que junto con la voz del frontman Sebastian Murphy conforman el claro esqueleto del sonido de Viagra Boys. Así lo demuestran en "Toad", tema que levita entre el insistente bajo y las voces crooner y desgarradas.

 

Dentro de ese estilo tan post-punk de estirar las líneas de bajo ad infinitum, al grupo le gusta variar la forma en la que lanzan esta pasta viscosa, a veces oscura, a veces luminosa, a sus oyentes. En el caso de "Into The Sun" hay una atmósfera muy de "Sunday Morning" que nos recuerda tanto a The Velvet Underground y que impregna todo de ese rock que ya no es rock, suave y dejado. El sonido de la resaca.

Antes que la facilona aunque bien traída "Creatures" prefiero temas que, además de ser más ácidos, consiguen atraer con pequeñas guindas rojas incluidas a drede entre tanto blanco y negro. Esto podemos encontrarlo en el ritmo de escena de peli de acción de "6 Shooter", o en ese tema tan de planear el robo de un banco que es "I Feel Alive", con ese diabólico sonido de piano.

Ya rozando el final, si bien me gustan las vibras tan Blur de "Girls & Boys" (incluso en el título) y el ramalazo folk de "To The Country", me quedo de largo con la colaboración de una todavía desconocida Amy Taylor (Amyl And The Sniffers) junto con la cual el grupo se curra un temazo con sabor a whisky de roble 100% americano.

En definitiva, el segundo álbum de Viagra Boys es una continuación magnífica del primer "Street Worms". Si bien es cierto que han perdido un poco el poder de sorpresa, desde luego han ganado en lo que respecta a conformar un sonido maduro no exento en absoluto de gusto. Nos han vuelto a demostrar de que son capaces de mucho, una vez más.

 

 

Harakiri for the Sky - Mære (2021) (English review)

 

For a few years now, extreme metal's hopes of coming up with a decent novelty have been placed on bands like Harakiri For The Sky. Following that path started by Ulver or Summoning, and later polished by Alcest or Deafheaven (each in their own way), the union of corrosiveness and open-mindedness of black metal, along with the melodic beauty and wall of sound of shoegaze, They make up a sound that, years after its takeoff, seems to still be in top shape.

This duo from the city of Vienna (Austria) is now publishing what is now their fifth album. His discography, being rather continuous within a mixture of styles with little room for maneuver, never quite falls into the linear. This is a conclusion we also reached after listening to this new "Maere".

But let's better start at the beginning. This work, published by AOP Records, is presented on a double CD, which makes it easier to listen to in physical format, but does not create a big problem in digital format. Of course, venturing into an hour and a half of post-black-shoegaze is only reserved for them and a few other names. In these times, making the most of your time by listening to something that is truly worthwhile is most essential.

The path begins in "I, Pallbearer", with a large amount of double bass drum and melody, unmistakable hallmarks. Special mention deserves Kerim "Krimh" Lechner, current drummer for Septicflesh, who also plays drumsticks on all of the songs here. "Sing for the Damage We've Done" contains one of the high points of the album: the vocal collaboration of Neige (Alcest, Amesoeurs) of a song that begins immersed in the simple beauty of primal melodic death, and that accelerates in a spiral as its eight-minute duration passes.

In the same way that it would be impossible to describe each song on this album because it requires hours of reading, in each and every one of them there is a component that is repeated not only here, but since its first composition ten years ago: beauty. The point that links not only those first two cuts, but also the rest that follow them, is always a chord or some inspired riff that is followed by impeccable drums and J.J.'s unmistakable strummed vocals. Between these moments, in addition, we always have an added icing on the cake, as in the epic finale of "I'm All About the Dusk" or the setting and rhythmic changes of "Three Empty Words", one of my favorites.

The second album, if we take the concept of two separate parts as a basis, makes us begin a journey again, back to a new shore, which does not mean that we have stopped treading the same ground as before. The simple but effective chords of "Once Upon A Winter" turn the journey of a long song into an enjoyment that passes in the blink of an eye. Nostalgia and heartbreak become dramatic thanks to the emotionality and bleak riffs of "And Oceans Between Us." In addition to them, "Time Is A Ghost" also stands out, with a beautiful intro and some heartbreaking melodies to complete this second tour with your heart in your mouth.

Finally, the final detail of the album is unbeatable, with a very own version of "Song To Say Goodbye" (Placebo) that takes away the meaning and makes the listening to "Maere" end on a high note.

Harakiri for the Sky - Mære (2021)

 

Desde hace unos años, las esperanzas del metal extremo por dar con una novedad decente están depositadas en grupos como Harakiri For The Sky. Siguiendo esa senda iniciada por Ulver o Summoning, y más tarde pulida por Alcest o Deafheaven (cada uno a su manera), la unión de corrosividad y apertura de miras del black metal, junto con la belleza melódica y el muro de sonido del shoegaze, conforman un sonido que, años más tarde de su despegue, parece seguir en plena forma.

Este dúo procedente de la ciudad de Viena (Austria) publica ahora el que es ya su quinto álbum. Su discografía, siendo más bien continuista dentro de una mezcla de estilos con poco margen de maniobra, nunca acaba de caer en lo lineal. Esta es una conclusión a la que también llegamos después de unas escuchas a este nuevo "Maere".

Pero mejor comencemos por el principio. Este trabajo, editado por AOP Records, viene presentado en un doble CD, lo cual facilita la escucha en el formato físico, pero tampoco crea un gran problema en el digital. Eso sí, aventurarse con hora y media de post-black-shoegaze está solo reservado a ellos y unos pocos nombres más. En estos tiempos, rentabilizar el tiempo oyendo algo que de verdad merezca la pena es de lo más fundamental.

El camino se inicia en "I, Pallbearer", con una gran cantidad de doble bombo y de melodía, señas de identidad inequívocas. Mención especial merece Kerim "Krimh" Lechner, actual batería de Septicflesh, y que también ejerce aquí con las baquetas en la totalidad de los temas. "Sing for the Damage We've Done" encierra uno de los puntos álgidos del disco: la colaboración vocal de Neige (Alcest, Amesoeurs) de un tema que arranca sumido en la belleza sencilla del death melódico primigenio, y que va acelerando en espiral conforme pasan sus ocho minutos de duración.

De la misma manera en que sería imposible describir cada canción de este disco por necesitar horas de lectura, en todas y cada una de ellas hay un componente que se repite no solo aquí, sino desde su primera composición hace ya diez años: la belleza. El punto que enlaza no solo esos dos primeros cortes, sino también el resto que les siguen, es siempre un acorde o algún inspirado riff al que le sigue una batería impecable y las inconfundibles voces rasgadas de J.J.. Entre dichos momentos, además, siempre tenemos una guinda añadida, como en el epico final de "I'm All About the Dusk" o la ambientación y cambios rítmicos de "Three Empty Words", una de mis favoritas.

El segundo disco, si tomamos como base el concepto de dos partes separadas, nos hace iniciar de nuevo un viaje, de vuelta a una nueva orilla, lo cual no quiere decir que hayamos dejado de pisar el mismo terreno que antes. Los sencillos pero efectivos acordes de "Once Upon A Winter" convierten el trayecto de un tema largo en una gozada que se pasa en un abrir y cerrar de ojos. La nostalgia y el desamor se vuelven dramáticos gracias a la emotividad y los riffs desoladores de "And Oceans Between Us". Además de ellos, también destaca "Time Is A Ghost", con una intro preciosa y unas melodías desgarradoras para completar este segundo recorrido con el corazón en un puño.

Ya para acabar, es inmejorable el detalle final del disco, con una versión muy propia de "Song To Say Goodbye" (Placebo) que quita el sentido y que hace finalizar la escucha de "Maere" por todo lo alto.

 

 

Spectral Wound - A Diabolic Thirst (2021) (English review)

 

From the formerly known as cold Canada (hello global warming) comes Spectral Wound's third album. After their "Infernal Decadence" last 2018, the group's base and motivation remains intact and ready to fill us with their rabid melancholy in each of the entertaining 6 cuts that make up "A Diabolic Thirst".

And, as their cover tells us, the band is completely dedicated to the decadence and desolation of this world (or some other, who knows). The first thing that comes to mind when listening to those devastating riffs sewn into furious blast beats are French-speaking bands like Véhémence or Sünhopfer, or the depressive but heartfelt black of Sargeist. They are also not far from influences like Mgla, already almost omnipresent in this type of styles and a reference for many to follow.

 

As for the album, with themes so compact, but not complex, it is difficult to make qualitative distinctions between them. From the fast-paced "Imperial Saison Noire", to the apocalyptic "Fair Lucifer, Sad Relic", to the catchy "Frigid And Spellbound", Spectral Wound's color palette remains as concrete as ever, heading towards infinite darkness in every minute that the album gives us.


In conclusion, those who know and regularly visit black metal and its new developments will know that these Canadians are making a more than worthy name for themselves in a scene too weighed down by extreme ideologies.

 

REGIONAL JUSTICE CENTER - Crime and Punishment (2021) (English review)

 

 

From the hand of the prolific and always violent label Closed Casket Activities comes the second LP by Regional Justice Center, a band that has managed to give birth to one of the great surprises of this year 2021.

 For those who don't know them, they come from Seattle and throw in our faces music based more on intentions and attitude than on defined styles. Despite the fact that analyzes and websites classify them as powerviolence, the reality is that the influences do not stop growing in the scarce 13 minutes and 27 seconds that the album lasts: from grindcore to hardcore punk, passing through the entire range of substyles that may cross your mind.


It's curious how well the puck fits each punch that cuts that last a minute and a half at most. Just as we have songs that leave us breathless, like the initial "Taught To Steal" or "Violent Crime", in the same way they step on the brakes and cut the rhythm like in "Absence" or "Inhuman Joy", even giving the songs with a certain groovy air, always putting the whole thing first rather than giving wax and polishing wax without any consideration.


In case this is not enough for you and you need some more specific reference, tell you that groups from the same label such as Gulch, Vein or the almighty Nails are first cousins ​​of these cafres. Another great point in its favor is, of course, the vindictive chicha hidden in the group's lyrics.

Spectral Wound - A Diabolic Thirst (2021)

 

Desde la anteriormente conocida como fría Canadá (hola calentamiento global) nos llega el tercer trabajo de Spectral Wound. Tras su "Infernal Decadence" del pasado 2018, la base y motivación del grupo sigue intacta y dispuesta a llenarnos de su melancolía rabiosa en cada uno de los entretenidos 6 cortes que forman "A Diabolic Thirst".

Y es que, tal como nos indica su portada, la banda está dedicada por completo a la decadencia y desolación de este mundo (o de algún otro, quien sabe). Lo primero que se nos viene a la cabeza al escuchar esos devastadores riffs cosidos a furiosos blast beats son bandas francófonas como Véhémence o Sünhopfer, o el black depresivo pero sentido de Sargeist. Tampoco andan lejos de influencias como Mgla, ya casi omnipresentes en este tipo de estilos y referencia a seguir para muchos.

 

 

En cuanto al disco, con temas tan compactos, que no complejos, se hace difícil hacer distinciones cualitativas entre ellos. Desde la acelerada "Imperial Saison Noire", hasta la apocalíptica "Fair Lucifer, Sad Relic", pasando por la pegadiza "Frigid And Spellbound", la gama de colores de Spectral Wound sigue siendo tan concreta como siempre, yendo hacia la oscuridad infinita en cada minuto que nos brinda el álbum.

En conclusión, quien conoce y visita de manera asidua el black metal y sus novedades, sabrá que estos canadienses se están haciendo un nombre más que digno en una escena demasiado lastrada por ideologías extremas. 

Fierce Cult - Where Humanity Ends (2021)

Lo primero que nos llama la atención al comenzar la escucha de "Where Humanity Ends" es la composición tan concienzuda que este grupo madrileño imprime en sus temas. Antes llamados The Seed, no hay duda de que el cambio de nombre a Fierce Cult responde sobre todo a un 'doble o nada' en su apuesta sobre su sonido y la implicación en el mismo. 

 

Pese a la duración de los temas, todos entre los cuatro y cinco minutos, la dirección del álbum siempre acaba siendo el groove y su exploración, sin alejarse totalmente de la técnica. Si bien es cierto que los cambios pueden llegar a abrumar en las primeras escuchas, al mismo tiempo hablamos de temas que, pese a exigirnos, siempre priorizan el disfrute y el meneo de cabeza. Aunque las primeras influencias que se nos puedan venir a la cabeza sean las de grupos de thrash con mucho groove como los obvios Pantera o Machine Head, el trasfondo de este proyecto va mucho más allá, al dotar de un toque técnico o progresivo aquí y allá, endulzando todo el disco en general. Ejemplos claros de ello son "Choose Your Gun" y "Anger", dos canciones muy inspiradas que están, en mi opinión, un nivel por encima del resto. 

 

 

Pero ojo, tampoco es que parecerse a alguien en este mundo del groove esté mal visto, todo lo contrario. De hecho, sí se vislumbran las habilidades técnicas de bandas de thrash americano como las nombradas anteriormente. Temas como "Feed On Fear" o "There's Something In My Dreams" recuerdan bastante a, por ejemplo, los desarrollos técnicos de Mark Morton en Lamb Of God. Esperamos que la apuesta a 'doble o nada' sea ganadora y tengamos Fierce Cult para rato. 

UNIDAD TRAUMA - Arte médica siniestra (2021)

 De las ruinas de un proyecto llamado Thanatology, del que se dice que el mismísimo Travis Ryan (Cattle Decapitation) fue colaborador en sus inicios, nace esta nueva banda llamada Unidad Trauma. Como no podía ser de otra manera, tanto por ambientación como por influencias, sus orígenes se remontan a la ciudad mexicana de Tijuana. 

Al hablar de México y de la fusión del grindcore con el death metal es inevitable acordarnos de Brujería. Si bien el estilo aquí es algo más extremo, no hay duda de que la creación de Juan Brujo tiene una influencia capital. Sin embargo, se mire por donde se mire (ya sea en los nombres de sus miembros o en lo más estrictamente musical) la influencia de esta banda se decanta más por ser una amalgama de referentes como los ya nombrados Cattle Decapitation, Aborted y un largo etcétera de músicos atraídos y apasionados por los quirófanos y los sonidos más cafres. 

Aunque un EP pueda saber a poco, la verdad es que estos 5 temas + intro nos dan una muestra más que evidente de lo que el grupo puede dar de sí. No inventan la rueda y quizá prestan demasiada atención a su imagen, pero desde luego no son un conjunto falto de contenido. Podemos destacar la arrolladora "Nexión A/Ω" con un riff muy a lo Morbid Angel, o la más acelerada "Alquimia Forense". Por otra parte, "33 (Ars Sinistra)" habla a las claras de las influencias de estos mexicanos y les sirve como presentación al público, con vídeo incluído no apto para los más fóbicos a los hospitales.

A partir de aquí ya solo nos queda esperar a que las giras sean una realidad, ya que Unidad Trauma pretenden darse a conocer en cualquier festi extremo que se precie. Esperemos que sean tan habituales en nuestro país como sus compadres Brujo y cía., o que al menos vueltan a entrar pronto a quirófano para grabar su primer LP.

 

ANDREW W.K. - God is Partying (2021)

 Si bien todavía no nos ha dado tiempo a digerir y regurgitar del todo "God Is Partying", el nuevo álbum de Andrew W.K., la verdad es que las ganas de material nuevo de este juerguista rockero ha podido con nosotros como para presentároslo y daros nuestro veredicto cuando todavía está caliente.

Se ha dicho que esta vez todo iba a ser más duro, que Andrew ya sabía lo que quería y era más y más fiesta. La conclusión más certera es la de siempre hasta ahora: no es así. Ni es un disco especialmente duro, ni contiene los mejores temas del proyecto, ni va a suponer un volantazo radical en la carrera del artista.

Algo destacable en mi opinión, de manera negativa, es la falta de protagonismo de su instrumento más característico: el piano. La mezcla de este, adherida a sonidos animosos y potentes, hacía de discos como "I Get Wet" o "The Wolf" algo inigualable. Ahora el uso de las teclas se queda en momentos testimoniales con más pinta de cara B descartable de cualquier grupo de rock de los 80, como ocurre en "I Made It". En la década actual, y tras el parón hasta volver con "You're Not Alone" hace tres años, Andrew W.K. se dirige de cabeza hacia el himno pasteloso que parece más sacado de una peli de Pixar dirigida a adolescentes con problemas, más que a volver loca a una multitud en un concierto.

Siendo así, no es casualidad que los temas a destacar en el disco sean mayormente los singles, por puro descarte. "Babalon" es un buen tema que no acaba de encontrar su sitio (¿es metal? ¿es rock? ¿hacia dónde va? ¿qué pretende?) y tampoco acaba por reventar como lo hacen sus grandes clásicos, al igual que le pasa a "I'm In Heaven". "Everybody Sins" solo tiene sentido por haberla escrito él, pero no destaca por nada en especial aparte de por ser algo pegadiza. Aparte de ahí, y por remarcar algo, se puede mencionar el toque electrónico de "Stay True To Your Heart" y el tema que más se acerca a su pasado, "Not Anymore", con un ritmillo súper pegadizo y un sintetizador de fondo que da ganas de hacer aerobic en mallas.

 

 

HACKTIVIST - Hyperdialect (2021)

 La enorme buena forma que destilan Hacktivist es la primera impresión que caracteriza a "Hyperdialect", segundo álbum de este grupo inglés. Caracterizados desde su nacimiento por aunar rap y djent, esta vez se basan en una marcada atención por inflar de ritmo y repeticiones su sonido, acercándolos a un mix más lleno de sentido y menos estereotipado que su anterior "Outside The Box". 

Ya desde el principio, canciones como "Anti Emcees" o "Luminosity" guían el camino hacia esa insistencia comentada por la composición de canciones de rap con una base netamente agresiva. Incluso la parte vocal en este disco gana mucho en versatilidad, con partes casi habladas en "Lifeform", tomando siempre como referencia un djent que rebaja experimentación para aumentar su lado más groovy. 

A riesgo de repetirme, lo mejor de Hacktivist en 2021 es que parecen haber entendido que necesitan una dirección concreta hacia donde dirigirse, aunque eso les haga bajar revoluciones en ciertos momentos. Pese a ello, sus influencias aquí no son para nada típicas: sigue habiendo djent a lo Meshuggah como en "Currency", "Dogs Of War" o "Planet Zero", pero suplen su falta de técnica virtuosa con riffs semejantes al metalcore, como en el adelanto "Armoured Core". Eso sí, no son sus únicas referencias. Ejemplo de ello son "Turning The Tables", con unos samples electrónicos muy británicos, o "Hyperdialect" (con colaboración de Aaron Matts, ex-Betraying The Martyrs) y "How You Dare To Exist", ambas acercándose bastante al deathcore. 

En definitiva, un disco mucho más disfrutable que su antecesor, algo de lo cual los fans de lo musicalmente ecléctico nos alegramos y no poco.

REGIONAL JUSTICE CENTER - Crime and Punishment (2021)

De la mano del prolífico y siempre violento sello Closed Casket Activities nos llega el segundo LP de Regional Justice Center, banda que ha conseguido parir una de las grandes sorpresas de este año 2021. 

 

 Para quien no les conozca, provienen de Seattle y nos tiran a la cara una música basada más en intenciones y actitud más que en unos estilos definidos. Pese a que los análisis y las webs los catalogan como powerviolence, la realidad es que las influencias no paran de crecer en los escasos 13 minutos y 27 segundos que dura el álbum: desde grindcore hasta hardcore punk, pasando por toda la gama de subestilos que se te puedan pasar por la cabeza.

Es curioso lo bien que encaja el disco cada puñetazo que nos asestan cortes de minuto y medio como mucho. Igual que tenemos temas que nos dejan sin aliento, como la inicial "Taught To Steal" o "Violent Crime", de la misma manera pisan el freno y cortan el ritmo como en "Absence" o "Inhuman Joy",  incluso dotando a los temas de cierto aire groovy, siempre poniendo por delante el conjunto antes que dar cera y pulir cera sin miramiento alguno. 

Por si no os vale con esto y necesitáis alguna referencia más concreta, deciros que grupos del mismo sello como Gulch, Vein o los todopoderosos Nails son primos hermanos de estos cafres. Otro gran punto a favor es, por supuesto, la chicha reivindicativa que esconden las letras del conjunto.